Campus de Paris

Enseignements Spécialisés à Paris

Les Enseignements Spécialisés à Paris

Les enseignements spécialisés sont ouverts à tous les étudiants et proposent une aide à la connaissance de soi et au développement de l'interprétation.

Les ateliers d’enseignements spécialisés se déroulent par modules annuels (une session), semestriels (deux sessions) ou trimestriels (trois sessions) ou par stages.

Détails des Enseignements spécialisés 2021-2022

    Improvisation

    (durée des cours : 3h)

    La "liberté", "avoir du temps pour l’expérimentation", "gagner en aisance", "un accès simple à la proposition", "un sens du collectif", "l'absence de jugement sur soi-même", "la richesse des années mélangées"... sont quelques-uns des regards portés sur l'improvisation par les élèves qui terminent un module.

    Si elle semble invisible dans l'apprentissage du métier d'acteur, l'improvisation est pourtant à la base de la confiance, de la connaissance de soi, du lâcher prise, de la distance avec les mots et d'une certaine forme de liberté d'expression.

    D. Garel 

    Puissance de l’image ou le corps en puissance

    (durée des cours : 3h)

    Cet Enseignement Spécifique propose une expérience de plateau sous le prisme du laisser-faire, en abandonnant toute forme de volontarisme. Souvent l’acteur oublie de laisser de la place au regard du spectateur. Le sur jeu n’est jamais loin si on oublie que l’interprétation est un échange avec le public et que l’acteur est une surface de projection pour l’imaginaire du spectateur.

    Comment un acteur se laisse-t-il voir et entendre sur un plateau, avant même que de chercher à produire du jeu ? Qu’est-ce qui constitue la présence d’un acteur ? Dans cet E.S. les élèves sont invités à pratiquer et à inventer.

    Je les accompagne à considérer le plateau en tant que volume avec un proche et un lointain, des bords, des lignes de fuite et un hors cadre. Quelle maîtrise l’acteur a -t-il de la scène, dans sa dimension plastique et physique ? Quel est son rapport sensible et sensoriel à la lumière ? Au son et au silence ? A la perspective ? Qu’inscrit-il en modulant immobilité et accélération ? Le neutre et l’excès ? Que les élèves prennent le temps d’explorer tout ce que racontent un déplacement sur une scène, une traversée de plateau, une chute, un dos, la projection de leur voix, du murmure au cri. Ce qui résonne est peut-être aussi important que ce qui signifie…

    Outre des exercices dirigés que je propose afin de toucher à des expressions sensibles et charnelles de leur imaginaire, chaque élève réalise un objet scénique qu’il construit en s’aventurant dans l’articulation d’une multiplicité des langages de la scène. Autour de trois matériaux d’écriture : un son, un objet et une source de lumière.

    N. Guimbard 

    Corps en jeu

    (durée des cours : 3h)

    Quel élève ne s’est pas posé ces questions au début de son apprentissage : que faire de mes mains ? Quand me déplacer de manière pertinente ? Comment me placer dans l’espace ? Comment trouver de la présence ? C’est quoi l’énergie ? L’entraînement corporel s’adresse à tous ceux dont le travail nécessite un corps expressif. 

    C. Barbara

    • Augmenter la force physique, la souplesse et la vitalité. 
    • Améliorer la présence scénique et la concentration. 
    • Développer l’imaginaire et la créativité par un travail d’improvisation et de composition. 
    • Apprendre à jouer avec et dans l’espace (sens du déplacement, du placement, immobilité). 
    • Apprendre à jouer avec la musique ou le silence. 
    • Donner du sens à son mouvement en le rendant juste, précis, nuancé. 
    • Avoir conscience du collectif. Apprendre à jouer, à bouger, à se déplacer, à danser en groupe, ensemble, à l'unisson ou en décalé. 
    • Améliorer sa conscience et sa relation à l’autre, au corps de l’autre et des autres. 

    Travail vocal

    (durée des cours : 1h30)

    Enseignement basé sur les multiples expériences physiques et techniques du souffle et de la voix. Placement et posture, projection et intention des expressions vocales chantées et parlées. Pour un corps souple et disponible à la voix, pour en connaitre les zones de résonance et ne pas être en force, pour être capable d’une auto surveillance de son outil, pour trouver un état de détente favorable à la synchronisation de la voix, du souffle et du corps, pour enrichir et colorer l’interprétation, pour vaincre sa timidité et se dépasser. Se préparer aux éventualités d'interventions chantées sur scène. Travailler sa tessiture, connaitre son registre, élargir sa musicalité.

    V. Perrault 

    Diction

    (durée des cours : 3h)

    Ce module sera constitué de trois sessions indépendantes dans l’année. Il permettra aux élèves, sous l’oeil d’un orthophoniste et d’un professeur de théâtre, d’explorer et de comprendre l’appareil phonatoire et vocal, d’améliorer leur articulation afin d’optimiser leur diction sur scène. 

    Il s’agira de combiner explications physiologiques, propositions d’exercices en groupe, observation des difficultés de chacun, guidance, suggestions d’entraînements et travail dirigé sur les contraintes des textes. 

    Un choix varié d’auteurs aux écritures contrastées sensibilisera à la singularité des styles. Un exercice final nommé Tout Seul mettra à l’épreuve la technique acquise par chacun.

    F. Haddou/ V. Theillaud 

    Masque

    (durée des cours : 3h)

    Les techniques du jeu masqué au service de l’acteur. Le masque vous invite à considérer la scène comme un territoire poétique. L’acteur y devient compositeur. Conscient de son mouvement, de son verbe et de sa parole, il y fait des choix créateurs de mondes. L’approche se déroule en trois temps. 

    1/ Aller vers le masque neutre. L’exercice du masque neutre est un acte assimilable à la préparation d’une page blanche. Vous êtes invité.e à entrer en douceur dans une conscience fine de votre corps quotidien. Vous identifiez ainsi ces gestes qui vous échappent et peuvent parasiter la justesse de votre jeu. Par une exploration active et impliquante, vous expérimenterez les paramètres d’attention qui régissent la disponibilité sur le plateau. Vous atteindrez ainsi l’état de simplicité, d’écoute, d’équilibre nécessaire à une présence consciente et ouverte. 

    2/ Faire naitre des personnages Les axes d’attention proposés vous permettront d’explorer une expressivité non ordinaire convoquant ainsi votre corps, votre voix, votre présence. Les masques de caractères poétisent la scène. Ils convoquent des fondamentaux : le rythme, l’espace, la musicalité du geste, la matière sonore, la grammaire gestuelle, l’improvisation vocale en solo, avec partenaires ou en choeur. Vous libérant du connu et, vous ouvrant au mystère du masque vous donnerez naissance à des personnages extraordinaires et uniques. 

    3/ Explorer les dramaturgies du masque. Vous improviserez à partir de canevas. Vous confronterez vos personnages à des scènes, poèmes ou chants. Vous vous inspirez de tout autres supports nécessaires pour entrer en création. Un corpus de textes vous sera remis en début de cession de formation autour d’une thématique que nous investirons ensemble. 

    Cet atelier demande ponctualité, présence et disponibilité au jeu collectif. Cette trame pédagogique est inspirée de mes années d’assistanat auprès de Christophe Patty, maitre de masque au CNSAD. Lui même fût l’assistant de Mario Gonzales.

    K. Elmadi 

    Chœur

    (durée des cours : 3h)

    Le chant est un formidable allié pour s’apaiser, se découvrir, s’épanouir et placer sa voix. L’ambiance joyeuse des cours, l’excitation de la préparation des concerts et les représentations publiques sont les fondamentaux du choeur. Le cours commence par un échauffement vocal afin de préparer la voix. Il se poursuit par une pratique de la polyphonie où chacun chante en fonction de la hauteur de sa voix et développe ainsi la sensibilité de son oreille. Chanter ensemble est un travail d’équipe où chacun s’enrichit.

    Laurent Austry

    Nous préparons cette saison, deux programmes suivis de concerts : 

    Le 22 janvier : Concert exceptionnel à La Madeleine (l’une des plus grandes églises de Paris) réunissant tous les groupes. Le programme sera accompagné de musique classique française et de polyphonies anglo-saxonnes (gospel…) accompagné à l’orgue. 

    Avril : Les musiques de film, harmonisées pour choeur seront interprétées lors de plusieurs concerts en avril dont un à la Bellevilloise, salle de concert parisienne : Skyfall, James Bond, Mission impossible, the greatest showman, the Lord of the ring, La la land, High School Musical, the Rocky horror Picture schow et d’autres b.o.f. seront au programme. 

    Participation exigée à au moins un cours de 2h45 par semaine.

    Écriture

    (durée des cours 3h)

    Cet atelier d’écriture est une classe à part entière, une classe parallèle. L’inscription est possible pour une, deux ou trois sessions à raison de neuf heures par semaine. L’objectif est de produire des textes réunis en une série théâtrale. 

    Programme :

    • Exercices individuels pour déverrouiller, désinhiber, prendre plaisir à écrire. 
    • Explorer les styles d’écritures théâtrales, audiovisuelles et tenter de trouver la nôtre. 
    • Écrire en correspondance avec les autres arts. 
    • Éprouver l’effet de ses propres textes en les faisant dire/jouer aux autres participants comme on éprouve son jeu face à des auteurs dans une salle. 
    • Travail d’écriture multiple : à deux, à trois, en groupe. 
    • Présentation publique en fin de stage. 

    Il s’agit de partir à l’aventure, de faire des histoires, de créer.

    X. Florent 

    7 leçons : de la mémorisation sensorielle à l’incarnation d’un rôle

    (durée des cours 3h)

    Travail d’ouverture sensorielle visant à libérer l’acteur et lui donner un maximum de possibilités de jeu tout en construisant son personnage. La mémorisation d’un texte et la construction d’un rôle doivent au préalable se défaire de tous les a priori, tous les préjugés et "petites musiques" qu’on a d’abord dans la tête, se dégager d’une mémorisation pré -établie, voire préfabriquée, dans la façon de dire, et dont on a beaucoup de mal à sortir ensuite. Construire un personnage et un rôle, c’est trouver sa corporalité et explorer sa mémoire auditive et visuelle, sensorielle, musculaire, spatiale, mais aussi sa mémoire émotionnelle. 

    Cette exploration ne s’oppose pas à la mémoire "intellectuelle" : elle complète la réflexion sur le texte, accompagne la pose de balises et de jalons de sens. Elle s’opère cependant dans l’espace, avec des actions physiques, des exercices de respiration, de souffle, d’articulation, le corps toujours en mouvement. Nous allons aussi aborder le travail mémoriel par des exercices d’improvisation. 

    Vous choisirez, ou vous vous verrez proposer, un texte ou un rôle majeur à travailler, classique ou contemporain (attention : toute scène devra comporter un monologue assez développé pour être travaillé sous forme séparée). À travers toutes sortes d’approches et d’expériences, vous allez vous approprier le texte et faire naître un personnage. Les deux dernières séances seront consacrées à la restitution du travail devant les autres participants.

    Delphine Salkin 

    One Man Show - Stages

    (durée des cours 3h)

    L’humour est exigeant et demande un vrai travail personnel et assidu qui partira du texte de chacun. 

    Découvrir le monde du one man show et du stand-up, apprendre les bases et les techniques d’écriture d’un Sketch, l’interpréter, aborder l’écriture de chroniques radios et télévisées. Ce cycle de cours, mêlant l’écriture et le jeu, s’adresse à toutes celles et ceux qui ont envie de s’exprimer au travers de leurs textes, de leurs personnages et de faire un premier pas vers l’aventure de l’humour.

    E. de Balasy 

    6 leçons sur le vers

    (durée des cours 3h)

    "Tout théâtre est en vers" a dit Antoine Vitez. Chacun à sa manière, les acteurs développent un rapport très intime au vers, qui les aide à trouver le rythme, le groove, le souffle de leur parole, même quand ils jouent de la prose. 

    Les 6 leçons sur le vers sont conçues comme 6 cours d'acting spécifiquement dédiés au vers qui, en suivant son évolution à travers les temps (de Corneille au slam !), permettent aux élèves, initiés ou débutants, de se forger un bagage technique et culturel plus riche, et un imaginaire personnel à travers les mots et la beauté du langage. 

    En 6 séances : 

    • 1ère leçon : "de la musique avant toute chose" : familiarisation aux sonorités et aux rythmes du poème. 
    • 2ème leçon : "le maître alexandrin" : apprentissage et approfondissement des techniques du théâtre classique de Corneille et Racine. 
    • 3ème leçon : "un dérèglement de tous les sens" : révolte et liberté, de Hugo à Rimbaud. 
    • 4ème leçon : "vers un vers libre" : flux et reflux, le souffle du théâtre de Claudel. 
    • 5ème leçon : "en vers et contre tout" : les Mamelles de Tiresias d'Appolinaire et Pas moi de Beckett, anticonformisme et minimalisme. 
    • 6ème leçon : "mâcher et manger le texte" : poésie sonore et performance scénique du Théâtre des Paroles de Novarina à la Pâte-Môt de Christophe Tarkos, slam et improvisation.

    L. Charpentier

    Yoga et rythme du corps - Stages

    (durée des cours 1h30)

    Les techniques du Yoga peuvent être d’une grande utilité pour préparer le travail de l’acteur. Les postures yoga et la discipline de la respiration développent une capacité de concentration et d’attention remarquable. 

    Le stage "Yoga et rythme du corps - un travail pour les acteurs" est conçu comme un espace/temps dédié à la pratique de différentes techniques respiratoires et corporelles, à travers une série de postures yoga et de leur enchainement synchronisé avec le rythme du souffle. 

    La respiration est la fondation première de ce travail. La sonorisation du souffle, douce, régulière et profonde, introduit sa synchronisation avec le mouvement. 

    La pratique des postures qui suit constitue un échauffement du corps qui répond aux besoins des élèves-comédiens : étirement, équilibre, force, endurance, détente. Elle sera adaptée en fonction des exigences particulières de chaque élève participant. 

    Cette pratique produit également beaucoup plus qu’un simple renforcement du corps : un ancrage, une connaissance accrue du corps et de ses possibilités propres, une sensibilité aux mouvements du partenaire. 

    Ces outils pourront accroître la qualité de notre présence dans l’espace de la scène pour se retrouver dans une condition de jeu optimale.

    J. Compans

    Clown

    (durée des cours 3h)

    "Je ne suis pas drôle." "Je ne suis pas spontané." "On l’est où on ne l’est pas." Vraiment ? Connaissez-vous quelqu’un qui, juste après être né, ait commencé à faire rire les gens ? Quelque part, entre leur premier cri et leur lit de mort les « gens drôles » ont donc appris à l’être. Connaissez-vous un enfant en bas âge sans aucune spontanéité ? Si l’on a mis cet état de liberté et de présent de coté en grandissant, c’est donc que l’on peut l’inviter à nouveau. Loin d’être l’art de faire rire, le clown est avant tout l’art très sérieux, vital même, de trouver le jeu, ramené à son essence pure.

    B. Rajca

    Clown / Masque : Mix

    Cette proposition permet de découvrir la pratique du masque et celle du clown. A raison de deux cours par semaine, cet atelier consacrera une séance au clown, l’autre au masque. 

    À voix haute

    (durée des cours 3h)

    Lectures de pièces de théâtre à la table, lectures de scénarios, (émissions de radio), castings, doublage sont des situations auxquelles l’acteur sera confronté. La voix est avec le corps, notre premier vecteur d’émotion, de transmission et bien souvent la première accroche avec un metteur en scène ou avec un directeur artistique pour le doublage. 

    Le travail sur la lecture à haute voix développe notre capacité à se faire entendre et surtout à se faire écouter. Comment réussir à insuffler notre imaginaire, notre passion, nos failles dans un texte tout en restant humblement au service de l’auteur ? Apprendre à disparaître derrière un texte tout en conservant notre liberté d’artiste. Trouver la bonne adresse, le volume approprié, l’écoute juste, apprendre à découvrir et à apprivoiser sa voix sont autant d’aspects qui seront abordés dans cet enseignement spécialisé. 

    Durant ce parcours, les élèves seront confrontés à divers textes d’univers très différents. Ils pourront s’exercer à la fois sur des romans, des pièces, des poésies en prose et/ou en vers mais également sur des discours ou encore des plaidoiries. Le but étant de prendre conscience du rôle du son, de gagner en précision et en présence vocale. 

    Il sera demandé aux élèves à la fin de la période, une création sonore enregistrée de 2 à 3 minutes. L’extrait de texte qu’ils proposeront pourra être accompagné de sons ou de musique. Là encore, leur imaginaire sera mis à contribution pour nous emmener dans leur univers à travers le son. Il s’agira pour eux de proposer un geste artistique précis et incisif de quelques minutes.

    B. Caillaud 

    Décryptage

    L'imaginaire s'enrichit par la lecture, par les films, la musique, la peinture, la vie, les pièces, et les acteurs qu'on voit jouer. Un texte peut se jouer de mille manières différentes. Le but de ces séances est de découvrir la quantité de choses qu'un texte porte déjà en lui. En décryptant une langue par sa structure, sa syntaxe, sa ponctuation, son rythme, on accède déjà à une partie de l'interprétation. Un acteur raconte une histoire, si son ambition personnelle est trop haute, elle peut masquer l'ambition du personnage, et cela donne souvent du fil à retordre… La liberté sur le plateau peut s'acquérir grâce à une connaissance parfaite de l'écriture. Plonger dans une langue invite à jouer. Ces séances permettent d'aller à la rencontre d'auteurs comme Sénèque, Racine, Shakespeare, Lagarce, Copi, Duras, Claudel, Hugo, Preciado, Tchékhov, La Fontaine, Kane, Koltès, Houellebecq, Vuong… Nous travaillerons également sur des textes de castings et de films (Pialat), et consacrerons une séance à l'écriture (roman, théâtre, cinéma…).

    J. Gaspar-Oliveri