Campus de Paris

Enseignements Spécialisés à Paris

Les Enseignements Spécialisés à Paris

Les enseignements spécialisés sont ouverts à tous les étudiants et proposent une aide à la connaissance de soi et au développement de l'interprétation.

Rentrée 2021, nos équipes sont mobilisées pour vous accompagner ! 
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Les ateliers d’enseignements spécialisés se déroulent par modules annuels (une session), semestriels (deux sessions) ou trimestriels (trois sessions) ou par stages.

Détails des Enseignements spécialisés 2020-2021

    Improvisation

    (durée des cours : 3h)

    La liberté", "avoir du temps pour l’expérimentation", "gagner en aisance", "un accès simple à la proposition", "un sens du collectif", "l'absence de jugement sur soi-même",  "la richesse des années mélangées"... sont quelques-uns des regards portés sur l'improvisation par les élèves qui terminent un module. 

    Si elle semble invisible dans l'apprentissage du métier d'acteur, l'improvisation est pourtant à la base de la confiance, de la connaissance de soi, du lâcher prise, de la distance avec les mots et d'une certaine forme de liberté d'expression.

    Puissance de l’image

    (durée des cours : 3h)

    Cet atelier a pour objectif de mieux comprendre, approfondir ou découvrir, expérimenter seul et en groupe, à partir de l’improvisation le pouvoir de l’image au plateau. Comment utilise-t-on un plateau de théâtre avec ce qu’on a, le corps, la voix, la lumière, la musique, les accessoires… On comprend très bien au cinéma, la puissance du montage, du cadre, de la lumière et du son, d’un travelling ou d’un gros plan. Je veux  à travers cette option, donner des clés pour transposer toutes ces techniques au théâtre, pour savoir produire du sens, de l’émotion, raconter une histoire, créer une atmosphère, donner de la densité à un personnage avec ou sans texte, juste par l’image.

    Un plateau de théâtre c ‘est un cadre de cinéma, et une scène est un plan séquence. Mais le théâtre n’est pas le cinéma, c’est une autre dimension, d’autres codes, d’autres temps. C’est ce que cette option permet de découvrir : comment « théâtraliser » sans surjouer, sans démontrer, en restant à la fois subtile, intimiste et secret mais avec toute la puissance que demande la scène d’un théâtre. 

    Corps en jeu

    (durée des cours : 3h)

    Quel élève ne s’est pas posé ces questions au début de son apprentissage : quoi faire de mes mains, quand me déplacer de manière pertinente, comment me placer dans l’espace, comment trouver de la présence, c’est quoi l’énergie ?

    L’entraînement corporel s’adresse à tous ceux dont le travail nécessite un corps expressif.

    • Augmenter la force physique, la souplesse et la vitalité.
    • Améliorer la présence scénique et la concentration.
    • Développer l’imaginaire et la créativité par un travail d’improvisation et de composition.
    • Apprendre à jouer avec et dans l’espace (sens du déplacement, du placement, immobilité).
    • Apprendre à jouer avec la musique ou le silence.
    • Donner du sens à son mouvement en le rendant juste, précis, nuancé.
    • Avoir conscience du collectif. Apprendre à jouer, à bouger, à se déplacer, à danser    en groupe, ensemble, à l'unisson ou en décalé.
    • Améliorer sa conscience et sa relation à l’autre, au corps de l’autre et des autres.

    Travail vocal

    (durée des cours : 1h30)

    Enseignement basé sur les multiples expériences physiques et techniques du souffle et de la voix.  Placement et posture, projection et intention des expressions vocales chantées et parlées. Pour un corps souple et disponible à la voix, pour en connaitre les zones de résonance et ne pas être en force, pour être capable d’une auto surveillance de son outil, pour trouver un état de détente favorable à la synchronisation de la voix, du souffle et du corps, pour enrichir et colorer l’interprétation, pour vaincre sa timidité et se dépasser. Se préparer aux éventualités d'interventions chantées sur scène. Travailler sa tessiture, connaitre son registre, élargir sa musicalité. 

    Diction

    (durée des cours : 3h)

    Ce module sera constitué de trois sessions indépendantes dans l’année.  Il permettra aux élèves, sous l’oeil d’un orthophoniste et d’un professeur de théâtre, d’explorer et de comprendre l’appareil phonatoire et vocal, d’améliorer leur articulation afin d’optimiser leur diction sur scène.

    Il s’agira de combiner explications physiologiques, propositions d’exercices en groupe, observation des difficultés de chacun, guidance, suggestions d’entraînements et travail dirigé sur les contraintes des textes.

    Un choix varié d’auteurs aux écritures contrastées sensibilisera à la singularité des styles. Un exercice final nommé Tout Seul mettra à l’épreuve la technique acquise par chacun. 

    Masque

    (durée des cours : 3h)

    Le travail du jeu masqué aide l’apprenti comédien à travers deux étapes. La première, celle du masque neutre, sert à gommer tous les gestes parasites qui empêchent la précision et la pertinence. La deuxième, celle des masques… (demi masques, clowns, masques nez, masques larvaires) sert, partant de cette neutralité, à aborder, par un travail vocal et physique, la construction du personnage. 

    La pratique du masque obéit à des codes très précis qui nécessitent un cérémonial proche de celui des arts martiaux, garant du respect de chacun et de ses outils.

    Le comédien y gagne précision de jeu, écoute de l'autre, concentration, présence scénique, créativité et improvisation. Il prend conscience de manière aigüe de la nécessité de prendre son temps. 

    En cette période sanitaire trouble, le travail du masque pourra tout à fait continuer dans le respect des gestes barrières. Nous parlons, bien évidemment, de masques « de théâtre » et non « de protection ». Chaque élève comédien travaillera avec un masque « de théâtre » personnel pour éviter toute prise de risque. Il est certain, également, qu’en cette période sanitaire, le port du masque de protection sera une source d’inspiration à la création et à l’innovation dans cet univers théâtralement décalé et pourtant totalement actuel. 

    Chantons ! Seul, à 2, à 3…

    (durée des cours : 3h)

    Le chant est un formidable allié pour s’apaiser, se découvrir, s’épanouir,  indispensable au comédien  pour placer sa voix ! 

    Le cours débute par un échauffement vocal, chacun choisit une chanson et le travail peut commencer : comprendre le texte, le faire comprendre, soutenir la ligne mélodique, être expressif, juste et en rythme avec notre pianiste accompagnateur.

    Les chansons seront interprétées seul ou à plusieurs, ce qui développe l’écoute et le plaisir de faire de la musique ensemble.

    Le répertoire abordé est composé de chansons françaises « classiques » de Serge GAINSBOURG, Jacques BREL, Boris VIAN, Edith PIAF, Charles AZNAVOUR, BARBARA, CHRISTOPHE, Claude NOUGARO… et du répertoire du théâtre musical : Kurt WEILL « L’Opéra de quat’sous » ou les premières comédies musicales.

    Atelier d’écriture

    (durée des cours 3h)

    Cet atelier d’écriture est une classe à part entière, une classe parallèle. L’inscription est possible pour une, deux ou trois sessions à raison de neuf heures par semaine. L’objectif est de produire des textes réunis en une série théâtrale.

    Programme :

    • Exercices individuels pour déverrouiller, désinhiber, prendre plaisir à écrire.
    • Explorer les styles d’écritures théâtrales, audiovisuelles et tenter de trouver la nôtre.
    • Écrire en correspondance avec les autres arts.
    • Éprouver l’effet de ses propres textes en les faisant dire/jouer aux autres participants comme on éprouve son jeu face à des auteurs dans une salle.
    • Travail d’écriture multiple : à deux, à trois, en groupe.
    • Présentation publique en fin de stage.

    Il s’agit de partir à l’aventure, de faire des histoires, de créer.

    Combat

    (durée des cours 1h30)

    Le fondement de toute classe de combat armé sur scène est de raconter une histoire en utilisant des accessoires qui ont un vocabulaire spécifique. Toute classe d’armes commence donc par un travail individuel. Chacun doit comprendre la fonction et l’histoire de l’utilisation d’une arme, ses parties, les positions de base, le jeu de jambes, la defense et les attaques. Une fois la grammaire établie, les élèves sont initiés au partenariat. La sécurité est une priorité. Tous les éléments du combat au corps à corps seront proscrits et les masques et les gants  obligatoires à tout moment. L’apprentissage se fera d’abord sans arme, puis avec des batons et des épées. Nous travaillererons un combat sans dialogue à mi-parcours et un combat avec une courte scène à la fin.

    One Man Show

    (durée des cours 3h)

    L’humour est exigent et demande un vrai travail personnel et assidu qui partira du texte de chacun.

    Découvrir le monde du one man show et du stand-up, apprendre les bases et les techniques d’écriture d’un Sketch, l’interpréter, aborder l’écriture de chroniques radios et télévisées. Ce cycle de cours, mêlant l’écriture et le jeu, s’adresse à toutes celles et ceux qui ont envie de s’exprimer au travers de leurs textes, de leurs personnages et de faire un premier pas vers l’aventure de l’humour

    6 leçons sur le vers

    (durée des cours 3h)

    "Tout théâtre est en vers" a dit Antoine Vitez. Chacun à sa manière, les acteurs développent un rapport très intime au vers, qui les aide à trouver le rythme, le groove, le souffle de leur parole, même quand ils jouent de la prose. 

    Les 6 leçons sur le vers sont conçues comme 6 cours d'acting spécifiquement dédiés au vers qui, en suivant son évolution à travers les temps (de Corneille au slam !), permettent aux élèves, initiés ou débutants, de se forger un bagage technique et culturel plus riche, et un imaginaire personnel à travers les mots et la beauté du langage.  

    En 6 séances : 

    • 1ère leçon : “ de la musique avant toute chose” : familiarisation aux sonorités et aux rythmes du poème.
    • 2ème leçon : “le maître alexandrin” : apprentissage et approfondissement des techniques du théâtre classique de Corneille et Racine.
    • 3ème leçon : “un dérèglement de tous les sens” : révolte et liberté, de Hugo à Rimbaud.
    • 4ème leçon : “vers un vers libre”: flux et reflux, le souffle du théâtre de Claudel.
    • 5ème leçon : "en vers et contre tout" : les Mamelles de Tiresias d'Appolinaire et Pas moi de Beckett, antificormisme et minimalisme.
    • 6ème leçon : “mâcher et manger le texte”: poésie sonore et performance scénique du Théâtre des Paroles de Novarina à la Pâte-Môt de Christophe Tarkos, slam et improvisation. 

    5 leçons « du classique au casting »

    (durée des cours 3h)

    Tous les rapports au texte, les façons de les dire, de les jouer, de les apprendre, de les comprendre et de se les approprier seront abordés de façon ludique et concrète.

    Cet espace de travail sera  un endroit d’expérience, de réflexion et de réalisation autour de toutes les formes de textes qu’un acteur peut rencontrer dans sa carrière. Les alexandrins, les écritures de théâtre contemporain, les lectures de poésie, de roman, les scènes de casting, les scénarios, les plaidoiries… L’objectif sera dei profiter de toutes ces écritures pour les remettre à chaque fois dans leurs contextes professionnels et culturels. Ce cours traversera donc toutes les écritures et les domaines artistiques et se proposera de donner le plus de clés utiles aux élèves et futurs acteurs pour qu’ils trouvent leur liberté, leur savoir propre et leur force dans le maximum de situations qu’ils seront amenés à rencontrer dans le métier, jusqu’à travailler sur la prise de parole en public, indispensable aujourd’hui." 

    6 leçons : Bande démo de A à Z

    (durée des cours 3h)

    Avec les outils audiovisuels simples, je vous propose de vous accompagner dans la réalisation d’une séquence dialoguée qui pourra vous servir de démo.

    A travers cette réalisation nous aborderons toutes les étapes de la production audiovisuelle : 

    • Choix du scénario.
    • Pré-production, prépa.
    • Tournage, lumière, son, cadre, interprétation.
    • Montage image et son, post-production.
    • Exports, diffusion.

    Comment éviter les erreurs les plus communes ? Comment mettre en valeur son travail d’acteur.rice en se rapprochant d’un esprit cinématographique ? Comment se servir d’outils audiovisuels simples au service de vos créations pour un résultat de qualité professionnelle ?

    Yoga et rythme du corps

    (durée des cours 1h30)

    Les techniques du Yoga peuvent être de grande utilité pour préparer le travail de l’acteur.  Les postures yoga et la discipline de la respiration développent une capacité de concentration et d’attention remarquable.

    Le stage « Yoga et rythme du corps - un travail pour les acteurs » est conçu comme un espace/temps dédié à la pratique de différentes techniques respiratoires et corporelles, à travers une série de postures yoga et de leur enchainement synchronisé avec le rythme du souffle.  

    La respiration est la fondation première de ce travail. La sonorisation du souffle, douce, régulière et profonde, introduit sa synchronisation avec le mouvement.

    La pratique des postures qui suit constitue un échauffement du corps qui répond aux besoins des élèves-comédiens : étirement, équilibre, force, endurance, détente. Elle sera adaptée en fonction des exigences particulières de chaque élève participant. 

    Cette pratique produit également beaucoup plus qu’un simple renforcement du corps : un ancrage, une connaissance accrue du corps et de ses possibilités propres, une sensibilité aux mouvements du partenaire. 

    Ces outils pourront accroître la qualité de notre présence dans l’espace de la scène pour se retrouver dans une condition de jeu optimale.

    De la mémorisation sensorielle à l’incarnation d’un rôle

    (durée des cours 3h)

    Travail d’ouverture sensorielle visant à libérer l’acteur et lui donner un maximum de possibilités de jeu tout en construisant son personnage. La mémorisation d’un texte et la construction d’un rôle doivent au préalable se défaire de tous les a priori, tous les préjugés et « petites musiques » qu’on a d’abord dans la tête, se dégager d’une mémorisation pré-établie, voire préfabriquée, dans la façon de dire, et dont on a beaucoup de mal à sortir ensuite. Construire un personnage et un rôle, c’est trouver sa corporalité et explorer sa mémoire auditive et visuelle, sensorielle, musculaire, spatiale, mais aussi sa mémoire émotionnelle.

    Cette exploration ne s’oppose pas à la mémoire « intellectuelle » : elle complète la réflexion sur le texte, accompagne la pose de balises et de jalons de sens. Elle s’opère cependant dans l’espace, avec des actions physiques, des exercices de respiration, de souffle, d’articulation, le corps toujours en mouvement.  Nous allons aussi aborder le travail mémoriel par des exercices d’improvisation

    Vous choisirez, ou vous vous verrez proposer, un texte ou un rôle majeur à travailler, classique ou contemporain (attention : toute scène devra comporter un monologue assez développé pour être travaillé sous forme séparée). À travers toutes sortes d’approches et d’expériences, vous allez vous approprier le texte et faire naître un personnage. Les deux dernières séances seront consacrées à la restitution du travail devant les autres participants. Delphine Salkin