Ateliers à Bordeaux

Le Cours Florent Bordeaux propose une offre spécifique de cours optionnels aux élèves de la formation d'acteur : les Ateliers. Ils sont ouverts à tous les élèves et proposent un apport pédagogique supplémentaire à la connaissance de soi et au développement de l'interprétation.

Les ateliers se déroulent par sessions semestrielles (deux sessions dans l’année). A chaque session, les ateliers proposés évoluent dans leur programme, les disciplines, ainsi que dans les jours et horaires de cours. La liste de ces enseignements est susceptible de changer au cours de l’année en fonction de la disponibilité des professeur.e.s et des intervenant.e.s, toutes et tous professionnel.le.s en activité.

Le Pass Atelier permet de participer à l’ensemble des ateliers sur l’année avec la garantie d’obtenir, au minimum, un atelier par session. Les élèves indiquent les cours qu’ils souhaitent suivre pour chaque session, par ordre de préférence, ainsi que le nombre total d’ateliers qu’ils pourraient suivre en fonction de leurs agendas.

Exemple : Sur la première session, je peux suivre 4 ateliers au maximum et je souhaiterais, par ordre de préférence : improvisation, clown, jeu à la caméra et enfin, masque.

Les élèves peuvent ainsi, si les places le permettent, se retrouver avec plusieurs ateliers par session. 

L’agenda des ateliers de la saison est envoyé en début d’année aux élèves, qui pourront ensuite souscrire au Pass pour s’inscrire.

Les Ateliers du Cours Florent Bordeaux en 2025-2026

(Atelier de 6 heures par semaine)

Cet atelier permet de s’habituer au jeu devant la caméra. Des visionnages réguliers des scènes filmées permettent également de se confronter à son image pour pouvoir évoluer et acquérir un lâcher prise sincère et naturel face à la caméra. 

Dans cet atelier, pas de quête du spectaculaire, pas d’effet comique recherché. 

S’essayer à l’improvisation, pour aiguiser nos consciences d’actrice et d’acteurs, pour être encore plus libres dans nos scènes. 

Apprendre à chercher la réponse dans le lien avec l’autre, à cultiver une disponibilité totale, à faire feu de tout bois. Chercher la réponse dans l’écoute d’un mouvement intérieur, suivre les élans de son corps et de ses émotions, c’est le programme de notre recherche. Comprendre que ce mouvement intérieur a toute latitude pour se développer et vivre au plateau. 

Nous appuyer sur des techniques pour faire face au vide et l’embrasser. Chercher le plaisir du jeu pour faire de la peur et de nos timidités des alliées. 

L’improvisation comme une recherche de liberté et d’ultra présence au plateau. 

Improviser, c’est sauter dans le vide. Ça fait peur. 

Improviser, c’est rater mais c’est s’offrir le luxe de rater en pleine conscience : totalement en contact avec soi-même et avec ses partenaires. 

Improviser, ce n’est rien de moins que vivre. Rien de plus, aussi. 

La voix est un geste du corps. C’est un processus musculaire qui engage tout l’organisme et le projette dans l’espace en le faisant vibrer et résonner. Ce processus est une addition de matériaux très concrets mis en énergie par le processus respiratoire (diaphragme, cordes vocales, larynx et pharynx ; résonnateurs ; musculature costale), qui demande disponibilité et souplesse dans d’autres zones fondamentales (périnée, nuque, épaules, mâchoire, muscles extenseurs de la colonne vertébrale). 

La respiration est donc un outil de jeu très important mais pour savoir l’utiliser « sans y penser », il faut d’abord la conscientiser, puis se la réapproprier avec régularité, d’où la notion de training. 

Chaque séance commence par une succession d’exercices progressifs qui visent à faire travailler le processus et l’énergie de la respiration avant d’en investir le résultat dans l’énergie de la production du son et du sens à travers des exercices de phonation, puis de diction. Si de séance en séance, ce rituel de départ reste toujours le même, les exercices qui suivent peuvent changer et évoluer selon les séances et les modules, en s’adaptant à vos problématiques et questionnements personnels.

Cet atelier est à prendre comme un laboratoire libre et ludique visant à : 

• Conscientiser son corps, l’envisager comme un instrument de travail au vaste champ des possibles !
• Gagner en souplesse, ancrage, écoute et lâcher prise
• Mieux appréhender l’espace de jeu
• Convoquer le sensible et l’instinctif, libéré de toute intellectualisation et du joug de la parole
• Apprendre à sculpter un personnage : lui donner corps, avant de lui donner voix
• Trouver par le langage corporel un chemin poétique pour échapper au réalisme 

L’objectif de cet atelier est de donner à l’acteur les outils lui permettant de : 

• Favoriser la mise en confiance
• Accéder à une liberté plus grande
• S’autoriser à vivre ses émotions
• Développer sa sensibilité
• Forger ses intuitions
• Renforcer sa créativité
• Apprendre à lire le détail
• Rire de l’imperfection
• Vivre la rencontre avec le partenaire et avec le public
• Être au présent vivant et vrai 

Vous aurez la chance dans cet atelier de parcourir les fondamentaux du Jeu Masqué notamment en vous initiant à la Commedia dell’arte.  

Toute d’abord, grâce au Masque Neutre, page blanche du langage corporel, permettant la conscientisation du corps, sa nécessité d’engagement et de précision, pour trouver la justesse du geste. 

Dans un second temps, vous aborderez les Masques de Caractères (demi-masques expressifs en cuir, issus de la Commedia dell’arte, qui influença notamment Molière, Goldoni, Marivaux, Gozzi…).   

Chacun se confrontera aux différents archétypes : Pantalon, Arlequin, Matamore, le Docteur…, en y apportant une part de soi. 

Libéré du texte et de l’intellectualisation, le Masque emporte le comédien, devient une partition à part entière avec ses codes, sa musicalité, sa folie douce. 

A partir d’improvisations, vous verrez comment le Masque transforme et transcende le corps, ouvrant un univers burlesque, parfois poétique, mais qui peut aussi se mettre au service d’un propos questionnant, dénonçant les injustices et les incohérences de notre monde. 

Dans cet atelier, nous explorerons le travail au micro comme outil au service de l’interprétation et de la création dans trois modalités possibles : 

Sur scène : 

• Connaître l’outil et les possibilités qu’il offre
• Apprendre à poser sa voix au micro.
• Apprivoiser sa voix amplifiée et affiner son interprétation vocale à travers la pratique et l’écoute collective. 

Livre audio :

• Acquérir et maîtriser la fluidité en lecture à haute voix et en lecture à vue
• Apprendre à apprivoiser un texte : nuances de sens et de rythme, ponctuation
• Maîtriser les techniques de respiration, articulation, modulation, intonation
• Savoir suggérer un univers, une atmosphère, des sentiments, des personnages au micro
• Travail sur la précision de la langue avec des supports différents : roman, conte, essai, littérature spécialisée, etc. 

Podcast : 

• Connaissance et découverte de l’écosystème et des étapes de production
• Travail d’interprétation d’un objet existant
• Création d’une maquette 

Cet atelier permet aux comédiens d’acquérir la technique nécessaire à l’exécution, en situation de tournage, de bagarres ou de petites chutes. Lorsque la technique est acquise, l’accent est mis sur l’interprétation, car comme une scène de texte, un combat ou une bagarre doit être interprétée. 

Les cours se déroulent donc en 3 parties : 

• Une petite préparation physique (échauffement, réveil musculaire)
• Une partie technique qui permet d’explorer plusieurs types de combats et bagarres avec et sans armes ou accessoires (bagarre pieds poings, bases d'arts martiaux ou sports de combats adaptés à l'image, petites chutes, combats avec armes blanches, désarmements, assommages..., toutes les situations qu'un comédien risque de rencontrer dans sa carrière).
• Une partie mise en situation ou le jeu prend alors toute sa place 

Dans cet atelier, vous allez visiter l’univers du Stand-up et du One man Show. Vous allez apprendre les rudiments et les techniques de vannes, à vous comporter sur scène avec un micro, vous allez apprendre à étirer votre personnage et votre second degré mais surtout écrire votre premier sketch et faire vos premiers pas sur la scène d’un Comedy Club bordelais. 

La voix est un moyen d'expression vaste et surprenant. 

Dans l'apprentissage du chant, vous découvrez un équilibre, une joie de l'instant et une posture plus juste au quotidien qui vous permettront de renforcer l'usage de votre voix parlée ou chantée, notamment au sein de votre discipline principale. 

Vous êtes votre instrument et je vous propose d'en explorer toutes les facettes, dans le confort, la rigueur et la bienveillance ! 

Vous serez guidés à travers une approche pluridisciplinaire et globale inspirée par Marie Louise Aucher, cantatrice et fondatrice de la psychophonie. 

Cette méthode de chant se rapportant à la médecine chinoise, (chaque zone du corps correspond à une note, sur 4 octaves) 

Elle invite à l'engagement du corps pour stimuler et permettre à votre voix la meilleure évolution. 

En développant l'éveil sensoriel, votre respiration et votre musicalité, cette technique révèle votre écoute personnelle ainsi que votre capacité de connexion aux autres. 

L’objectif principal étant de vous amener à interpréter librement, en pleine conscience. 

Thèmes et techniques abordés : 

• Relaxation
• Étirements
• Respirations
• Training corporel
• Jeux de voix et mouvements ludiques
• Vocalises
• Circle song
• Improvisations vocales collectives
• Interprétations vocales collectives ou petits groupes
• Détente globale
• Connexion à soi, ancrage
• Conscience du souffle, respirations cérébrales
• Eveil du corps, lâcher prise, conscience posturale, énergie
• Spontanéité, cohésion, vibrations
• Technique, pose de voix, placements
• Découverte de votre tessiture
• Travail des résonateurs, justesse, rythme
• Ecoute, appuis et soutien des notes, conscience des mécanismes corporels, émission, réception, favoriser l'interaction
• Diction
• Harmonies
• Interprétation de chansons/textes, chantés, parlés et joués,
• Travail de concentration, présence scénique imaginaire et émotions. 

L’atelier danse permet de développer le corps, l’interprétation et le jeu corporel. C’est également un espace où apprendre à lâcher prise, à interpréter et ressentir avec son corps. 

Le but de cet atelier est de te permettre de découvrir et apprendre à chanter, danser et jouer comme à Broadway.  

Jouer, chanter, danser : une complémentarité et des chances de multiplier ses ouvertures de travail dans la vie d’un artiste.  

L’atelier DANCE’SING c’est apprendre et travailler comme de vrais artistes pluridisciplinaires, c’est également découvrir et se découvrir dans l’univers de la comédie musicale.  

Apprendre les techniques de chant et de danse.  

Apprendre à chanter et danser en même temps.   

Apprendre à performer sur scène et devant un public.  

Intégrer l’atelier DANCE’SING c’est te permettre de vivre le rythme d'une troupe de théâtre musical à raison de 6h par semaine !  

En plus de l’apprentissage technique, le but de l'atelier est de monter des tableaux musicaux dignes des plus grandes comédies musicales, d’interpréter et de performer. 

Le théâtre et yoga … 

…ont des liens étroits entre les deux disciplines... 

En quoi ces deux pratiques peuvent-elles être liées et complémentaires...? 

Le rapport au corps 

L'instrument du comédien est son propre corps dans toutes ses composantes physiques et émotionnelles. La prise de conscience de ses attitudes, ses gestes, le placement de sa voix constituent la base de son travail car c'est à partir de cela qu'il pourra modifier ses attitudes pour devenir "autre" et interpréter un personnage. 

Dans le yoga, les postures physiques ainsi que la prise de conscience du corps et du souffle sont l'essentiel du travail. 

La base du travail à la fois dans le théâtre et le yoga est donc la prise en conscience du corps dans sa globalité. 

Il y a beaucoup d’exercices inspirés du yoga dans le travail de préparation de nombreux.ses comédiens.nes. 

L’attention 

Dans de nombreux cours de théâtre les premiers exercices d'entraînement consistaient à être attentif à tout ce que produisait le corps : être attentif à sa propre gestuelle, comme la façon de marcher. Il s'agissait par exemple de porter son attention sur le contact du pied au sol, du déroulement du talon à la pointe. 

On retrouve ces pratiques d'attention dans le yoga. 

Le yoga propose d'expérimenter des postures, d'observer son corps dans ces postures, en étant conscient du positionnement, du souffle. 

Le corps se retrouve dans des postures non quotidiennes, non automatiques et cela a un effet sur le mental. 

Les Emotions 

Le corps n'est pas seulement physique mais on parle aussi de corps émotionnel. De la même façon qu'il le fait pour le corps physique, le yoga nous entraîne à observer nos sensations et émotions. Il s'agit de prendre une certaine distance vis à vis de celles-ci, de devenir un témoin. 

C'est en prenant de la distance par rapport à ses propres émotions que le.la comédien.ne pourra en faire quelque chose. C'est là encore un matériau dans lequel il.elle puise pour construire ses personnages. 

C'est par une bonne connaissance de lui-même que cela est possible. Cette connaissance de lui-même, de son fonctionnement, de son souffle, peut être expérimentée par le yoga. 

Intériorisation, extériorisation, réunification 

Le yoga et le théâtre sont deux disciplines complémentaires en ce sens où l'un travaille l'intériorisation et l'autre l'expression extérieure, tournée vers les autres. Des allers-retours entre ces deux manières d'appréhender soi et le monde permettent d'élargir son champ d'expérience et de reliance, et d'expérimenter différents soi et par là même d'élargir la conscience. 

Théâtre et yoga apparaissent bien ici comme deux voies complémentaires de connaissance de Soi. 

• Techniques respiratoires
• Travail postural conscience du centrage, encrage, l'axe vertébral équilibre
• Exercices de libération de la voix « Retrouver sa Voix naturelle ».
• Gymnastique du visage
• Gestion du stress
• Relaxation, concentration et méditation 

Il s'agira d'explorer les premières bases de la technique de jeu de l'acteur de Sanford Meisner dans l'étude de l'Exercice de Répétition. 

Guidé.e.s dans une démarche d'auto-investigation qui s'appuie sur l'écoute de l'autre (du partenaire), de moment à moment dans le moment présent et dans la réalité du faire, les élèves se découvrent un jeu plus organique et vrai. 

Marie-Hélène Brabant a eu la chance de découvrir et expérimenter la technique de S.Meisner à Paris dans les cours de Robert Cordier et Lesley Chatterley. Cette technique est devenue une des bases fondamentales de son travail d'artiste performer et de pédagogue, que cela soit en France ou encore à New York où elle a vécu et travaillé pendant plus de vingt ans. 

Cet atelier vous donne la chance de découvrir le doublage avec Nathalie KARSENTI. 

Après avoir joué au théâtre, dans quelques longs ou courts métrages et à la télévision, Nathalie KARSENTI est remarquée par Danielle et Déborah Perret qui lui propose un essai sur un plateau de doublage. À la suite de cet essai et passionnée par ce domaine d'acteur, elle poursuit ses expériences. 

C'est à la suite de sa rencontre avec Vincent Violette, qui lui a confié le rôle principal de Meghan Green (jouée par Anne Hathaway) dans la série La Famille Green, qu'elle décide de s'y consacrer pleinement. 

Depuis, Nathalie KARSENTI double des actrices américaines à plusieurs reprises comme Eva Mendes (dont La nuit nous appartient ou Fast and Furious 5), January Jones (dont Mad Men, X-Men : Le Commencement ou Le Pacte), Ruth Negga (dont Marvel : Les Agents du SHIELD ou Preacher) ou encore Sakina Jaffrey (House of Cards, Mindy et Timeless). Elle double également d'autres actrices comme Zoe Saldana (Gamora) dans Les Gardiens de la Galaxie et autres films de la franchise Marvel ou encore Shawnee Smith dans la série de films Saw. 

Apprentissage technique de base : 

• Fondamentaux de base
• La sécurité
• Le travail sur les cibles
• La gestion de l’espace avec une arme
• La gestion de l’espace avec son ou ses partenaires
• La mise en place d’une chorégraphie simple 

Mise en situation des apprentissages : 

• Rappel des fondamentaux de la veille
• Mise en place technique avec une arme en acier
• Création d’une chorégraphie simple
• Mise en situation scénique de la chorégraphie